🧡 Que linda esta película. Además toca una parte sensible de la actualidad musical.
El personaje músico de Tom Basden tiene dos «momentos» que contrastan (vamos a decir así para no spoilear) pero que dejan para la reflexión varias cosas.
La importancia de la expresión personal por encima de los contenidos forzados. Eso genera una conexión real con todo, con el público, con las canciones, con el artista mismo. Atravesado por la diferencia entre originalidad y éxito comercial.
Los momentos de bloqueo creativo y el miedo a dar pasos nuevos.
El pasado como raíz creativa pero no como una prisión. Es un lugar para tomar cosas y avanzar.
El arte como un acto honesto, no perfecto, no grandioso, pero sí sincero.
Le vamos a agradecer a Charles, que lo invitó a la isla y generó toda esa espiral de sensaciones.
Es un gran debate que ya sucede pero que se va a acelerar en los próximos meses.
Este artículo de Virginie Berger para Forbes presenta una visión prospectiva de la industria musical hacia 2026, centrada en cómo la inteligencia artificial dejará de ser una herramienta creativa para convertirse en el motor de una reestructuración legal y comercial profunda. Ella predice un cambio radical en los sistemas de licencias, donde la gestión de derechos se volverá más automatizada y compleja, obligando a las organizaciones de derechos de ejecución (PRO) y a las discográficas a adoptar infraestructuras tecnológicas avanzadas para rastrear y monetizar el contenido generado o asistido por IA en tiempo real.
Más allá de la tecnología, las predicciones apuntan a un reequilibrio de poder en el que la transparencia y la propiedad de los datos serán las nuevas monedas de cambio. El análisis sugiere que los artistas y sellos independientes ganarán terreno al utilizar herramientas de análisis predictivo para conectar directamente con nichos globales, desafiando el dominio tradicional de las grandes corporaciones. En este escenario, el éxito no dependerá solo del talento, sino de la capacidad de los actores de la industria para navegar un ecosistema donde la identidad digital del artista debe ser protegida con el mismo celo que su obra física.
No se me ocurre como va a ser el final de ésta pelea, pero hay mucho por desentramar en todo esto. Lo mas importante es ver en que situación quedan los contenidos en relación a los artistas.
El artículo de Badenstock titulado «What’s Shaping the Music Industry in 2025» analiza las fuerzas tecnológicas y culturales que están transformando el sector. Aquí un resumen de sus puntos fundamentales y mis opiniones a eso:
1. Experiencias en Vivo y Giras Sostenibles
El modelo de giras está cambiando debido a los altos costes logísticos y la presión ambiental. El artículo sugiere dos cosas:
Giras estratégicas: En lugar de recorridos masivos, los artistas están optando por espectáculos de mayor impacto en ciudades clave.
Sostenibilidad: Se está volviendo estándar que las giras minimicen su huella de carbono, impulsado tanto por la ética del artista como por las demandas del público.
Lo segundo es razonable, lo primero no estoy tan de acuerdo. Depende mucho del artista, de los objetivos, los momentos y las necesidades generales.
2. IA y la «Autenticidad Cruda» (Raw Authenticity)
Existe una dualidad interesante en la producción actual:
IA como colaborador: La inteligencia artificial generativa se utiliza para composición, mezcla y masterización, no para reemplazar al artista, sino para aumentar su capacidad creativa.
Valor de lo imperfecto: Como respuesta a la perfección de la IA, el mercado está premiando la «autenticidad cruda». Menos edición y una estética más orgánica y humana son tendencias clave para conectar con audiencias que buscan verdad.
Coincido que eso puede llegar a suceder. La autenticidad va a ir tomando mas valor a medida que pase el tiempo.
3. Globalización y «Cross-Pollination» de Géneros
El artículo destaca que el éxito ya no depende de un solo mercado (como EE. UU. o Europa).
Fusión cultural: Géneros como el Afrobeats, el regional mexicano y el Mandopop están redefiniendo el sonido mainstream.
Colaboraciones remotas: La tecnología facilita que artistas de diferentes continentes colaboren, creando híbridos musicales que atraen a una base de fans global y diversa.
La hibridación de géneros es algo inherente al intercambio musical, pero no creo que eso modifique el trazado de la música en vivo ni los contenidos de festivales y mercados. Sí es cierto que es mas difícil encontrar propuestas 100% de contenido de genero original.
4. Nuevos Modelos de Negocio y Marca Multicanal
El artista de 2025 es visto como una marca multifacética.
Propiedad y control: Hay un movimiento hacia modelos de negocio que otorgan más autonomía al artista, alejándose de los contratos discográficos tradicionales y restrictivos.
Comunidad sobre algoritmos: La consistencia y la creación de una comunidad directa (vía newsletters, Discord o plataformas propias) se consideran más valiosas que depender exclusivamente del algoritmo de las redes sociales.
Esto es algo muy novedoso y en crecimiento, creo que vamos a tener que ir repensandolo mientras sucede
Es así! La mayoría de las marcas invierten tiempo, recursos y estrategia en diferenciarse visualmente en redes sociales. Cuidan el diseño, la estética, el color, el ritmo de los videos y la identidad visual con gran precisión.
Sin embargo cuando hablamos de audio ocurre algo llamativo: casi todas suenan igual.
Las marcas suelen utilizar los mismos tipos de tracks musicales para sus contenidos digitales, tanto que el algoritmo termina recomendando cosas que no tienen nada que ver pero usan el mismo audio.
Siguen repitiendo estilos genéricos sin detenerse a pensar que son empresas diferentes, con valores, personalidades y mensajes distintos que comunicar. El resultado es una comunicación que pierde fuerza, identidad y recordación. Y además aburre.
Lo curioso es que el tratamiento del sonido tiene el mismo impacto que el visual. La música también construye marca, transmite emociones y define cómo una empresa es percibida. Pero rara vez recibe el mismo nivel de atención estratégica.
👉 Si entendemos que una imagen mal cuidada afecta a la marca, ¿por qué no aplicar el mismo criterio al audio?
👉 Si buscamos diferenciarnos visualmente, ¿por qué aceptamos sonar como todos los demás?
Es el momento de empezar a pensar el audio no como un complemento, sino como una pieza clave de la identidad de marca.
¿Qué opinas? ¿Crees que las marcas están subestimando el poder del sonido en su comunicación digital?
Escuchaste 10000 cosas hoy. Solo recuerdas 5. ¿Por qué?
En el mundo del audio branding o branding sonoro, muchos sonidos de marca pasan desapercibidos. La razón principal es su diseño genérico y la falta de conexión emocional. En un entorno saturado de estímulos auditivos —desde notificaciones de apps hasta jingles publicitarios—, las marcas suelen priorizar la funcionalidad sobre la creatividad, creando tonos simples y repetitivos que no destacan. Esto hace que el cerebro los filtre rápidamente como irrelevantes, ahorrando energía cognitiva.
La clave: ¿Qué hace que un sonido de marca sea memorable?
La diferencia radica en cómo se procesa en el cerebro. Un sonido memorable activa áreas emocionales y asociativas, creando un «pegajoso» efecto. En cambio, un tono genérico de notificación se olvida en segundos por no ofrecer unicidad ni resonancia.
Elementos que hacen un sonido de marca inolvidable
Un sonic logo efectivo combina simplicidad con sorpresa emocional: breve (3-5 segundos), rítmico y evocador. Debe ser familiar pero único, generando un loop mental involuntario. Factores clave:
Conexión emocional: Evoca placer, nostalgia o identidad (como el arranque de Windows o el jingle de McDonald’s).
Consistencia: Repetición en contextos positivos refuerza la asociación.
Originalidad: Evita lo predecible para intrigar al oyente.
En 2025, tendencias como la personalización AI y soundscapes inmersivos destacan la importancia del audio en plataformas como TikTok y podcasts.
Por qué muchos sonidos de marca fallan y cómo evitarlo
Un sonido se vuelve olvidable si es monótono, predecible o desconectado del contexto de la marca. Lo genérico (stock sounds) se mezcla con el ruido ambiental y no despierta curiosidad. Para que se grabe en la mente, debe «hackear» la psicología auditiva: ser relatable pero distintivo, formando parte de una historia personal o cultural. Los sonidos memorables no solo se escuchan, se sienten y perduran. ¿Tu marca tiene un sonido que resuene? Es hora de amplificar su identidad sonora.
Vamos a enfrentar un 2026 muy cargado de imágenes, videos, videos de imágenes, información visual de gran escala. También sonidos, tracks, música. Por todos lados. Una saturación enorme que va a poner en colapso nuestra capacidad de atención. Ya sucede hoy ese fenómeno, pero se verá incrementado por la excesiva cantidad de cosas que vamos a poder producir en minutos.
Por eso creo que tener una estrategia sonora va a ser, más de lo que nunca vimos, la clave para poder “escuchar – oir” de verdad. Para que nuestros sonidos y silencios aparezcan, estén presentes en el mar de ruidos. Es en ese sentido y dirección que pienso los próximos momentos del audio branding para 2026, con algunos puntos destacados.
Presencia en el presupuesto general del marketing y la comunicación: más que nunca las marcas se verán necesitadas de incluir en sus presupuestos al audio, el sonido y la música, si no quieren verse presos del caos sonoro que los hará ser invisibles
Microcontenidos sonoros: piezas sonoras de 5, 10 y 15 segundos van a tomar mucha más relevancia. Audio logos, marcas sonoras, van a tener mucho más impacto en momentos de atención sonora limitada
Identidad sonora al máximo: la identificación, la coherencia, el reconocimiento y la memoria sonora van a jugar un papel fundamental en la estrategia de las marcas y de las corporaciones. Ante una estrategia débil o ausencia de estrategia, será muy difícil construir marca sonora fácilmente identificable
Inteligencia Artificial y naturalidad sonora: creo que veremos una tensión entre los procesos creados con IA y los procesos naturales. Por un lado la velocidad de creación, por otro lado la saturación sonora de los tracks procesados y fast food.
Sonic branding modulares y Audio Reactive Content: contenidos adaptados para momentos del día y fácilmente adaptables a momentos virales específicos, como por ejemplo el mundial de fútbol 2026.
Audio Espacial, 3D y multiplano: vamos a experimentar también un avance en esa dirección aunque también tendremos que ver hasta donde es efectivo, compitiendo con sonidos mas planos y directos pero más concretos y que demandan menos atención del oyente
Pienso en estas, entre otras cosas, como un panorama general de lo que vendrá en 2026 para el audiobranding, música original y música de redes publicitarias. Grandes desafíos y mucha creatividad para el próximo año.
Estuvimos trabajando en la creación del audiologo de Uncommon Econ, una plataforma de educación en temas de economía. Muchas gracias Teemu y todo el equipo por la confianza, quedó super bueno!
We worked on creating the audio logo for Uncommon Econ, an economics education platform. Many thanks to Teemu and the entire team for their trust; it turned out great!
En el mundo del branding sonoro, muchas marcas caen en la trampa de pensar que más sonido significa más impacto. Pero cuando el audio está demasiado presente, pierde su fuerza: el exceso genera fatiga, diluye la identidad y, paradójicamente, hace que una marca deje de destacarse. No todo momento necesita un jingle ni una voz en off; como recuerdan expertos, a veces el silencio es la decisión más poderosa.
El “silencio estratégico” no es ausencia, sino intención. Elegir no sonar en ciertos momentos es una forma sofisticada de comunicar —una pausa consciente que genera relevancia. Según Ollesch Agency, este enfoque permite priorizar cuándo y cómo aparecer, en lugar de hacerlo constantemente, y evita que la marca se torne invisible por exceso de presencia.
Si el audio de una marca está mal trabajado —ya sea porque es redundante, mal diseñado o simplemente inapropiado al contexto— no solo se convierte en ruido, sino que puede dañar la percepción de la marca. En vez de amplificar su identidad, confunde a la audiencia: ¿qué representa ese sonido si está en todos lados sin criterio? El branding auditivo debe ser tan estratégico como cualquier otro activo de marca. Wikipedia
Además, como señala Husam Jandal con su concepto de silent marketing, las marcas más inteligentes no suben el volumen, sino que eligen convertirse en refugio. Cuando una marca escoge la sutileza por sobre el estruendo, genera una conexión emocional más profunda: invita al descubrimiento en lugar de imponer su presencia. Pero lograr esto requiere criterio: no basta con “poner música”, hay que pensar cuándo callar, cuándo sonar y qué decir con cada nota.
Un vistazo a una entrevista fascinante con el equipo de audio de Funcom. Aquí resumimos los detalles más cautivadores sobre cómo lograron que el mundo de Arrakis, con su arena, sus facciones y sus Gusanos, sonara tan brutalmente auténtico en este ambicioso RPG de supervivencia.
¿Cómo Suena un Desierto Infinito? La Inmersión en Arrakis
El equipo de audio de Dune: Awakening tenía un desafío monumental: dar vida sonora a un desierto vasto, pero que no resultara monótono. Tal como se detalla en el artículo original, la clave fue la variedad y la tecnología.
Para lograr un paisaje sonoro inmersivo y dinámico, la gente de Funcom empleó un sistema de malla de audio procedimental. Esto permite que los sonidos ambientales (como el viento o los ruidos distantes de guerra) se creen y destruyan dinámicamente, asegurando que el ambiente se sienta siempre activo y reaccione al jugador sin ser repetitivo.
Descubrimos que la variedad sonora no solo proviene de la arena: se usaron grabaciones de tumbas egipcias mezcladas con rejillas de aire acondicionado para crear sonidos ambientales únicos. Además, las voces de las criaturas se diseñaron a partir de sonidos tan específicos como arena silbando y raspados de roca, con un toque de genio: ¡los fidget spinners incluso contribuyeron a crear algunos de los bass drops más geniales!
Sonidos de Facciones: Tecnología Feudal vs. Chatarra
Más allá de los impresionantes Gusanos de Arena y las tormentas de especia, un punto crucial del diseño de sonido de este videojuego es la personalidad de sus facciones, algo que se refleja perfectamente en el audio de sus armas y equipos.
El equipo buscó un sonido original y experimental, tomando como inspiración las películas sin usar referencias directas. Por ejemplo, los sonidos se diferencian así:
Harkonnen: Armas que suenan modernas, caras y controladas; elegantes, pero con un toque maligno y amenazante.
Contrabandistas (Smugglers): Sus armas suenan caseras, hechas de piezas de chatarra, inestables y como si fueran a desmoronarse en cualquier momento.
Incluso la interfaz de usuario (UI), que es vital en un juego de supervivencia, recibió una atención especial. Se le dio un ambiente de «tecnología feudal», asegurando que los clics y pings fueran musicales, informativos, reconocibles y, lo más importante, lo suficientemente «amigables» para no molestar al jugador tras horas de juego.
Para finalizar, si el diseño de audio de videojuegos te apasiona, esta lectura ofrece una visión de cómo un equipo logra equilibrar la fidelidad a una franquicia icónica con la necesidad de innovación técnica. Es una muestra excelente de cómo el sonido inmersivo construye mundos.
970 Music & Audio 